Vous n’avez pas pu passer à côté de la série britannique événement “Adolescence”, diffusée sur Netflix

En quatre épisodes d’une heure, la série plonge le spectateur dans une tension palpable, explorant les méandres de la culpabilité, de la famille et de l’influence des réseaux sociaux sur les jeunes.

Une performance de réalisation

L’élément de mise en scène le plus marquant d’Adolescence est son utilisation systématique du plan-séquence, c’est-à-dire une prise unique, sans coupe visible, qui couvre un épisode entier (environ une heure chacun). Cela signifie que chaque épisode a été minutieusement chorégraphié, répété et capté comme une seule scène continue.

Chaque plan-séquence exige une coordination parfaite entre les acteurs, qui doivent livrer des performances sans interruption pendant de longues périodes ; les équipes techniques (caméra, son, lumière), qui doivent évoluer dans les décors sans jamais apparaître à l’image ; la mise en scène, qui doit intégrer transitions, changements de lieux, et effets dramatiques en temps réel.

Ce procédé renforce l’immersion : le spectateur est plongé aux côtés des personnages sans échappatoire, ressentant leur stress, leur malaise, et leur confusion en temps réel. C’est particulièrement efficace pour représenter la spirale émotionnelle de la famille de Jamie, les interrogatoires policiers où la vérité se dérobe, ou encore la dynamique entre les adultes dépassés et les adolescents enfermés dans leur monde numérique.

L’absence de coupures donne un rythme organique, presque documentaire. On oublie la caméra. Les silences, les hésitations, les regards deviennent plus éloquents que n’importe quel dialogue écrit.

Le choix de tourner chaque épisode en plan-séquence fait d’Adolescence une œuvre aussi techniquement impressionnante qu’émotionnellement saisissante.

Des acteurs d’une justesse incroyable

Owen Cooper dans le rôle de Jamie

À seulement 14 ans, Owen Cooper livre une interprétation d’une maturité exceptionnelle, incarnant Jamie Miller, un adolescent accusé du meurtre d’une camarade de classe. Son jeu oscille entre vulnérabilité, confusion et tension intérieure, rendant son personnage à la fois insaisissable et profondément humain.

Le personnage est au cœur du récit, mais parlant peu. Il faut donc faire passer l’émotion par les silences, les regards, les gestes.

Jamie est également un personnage ambigu : ni entièrement victime, ni clairement coupable, il évolue dans une zone grise morale, ce qui demande une grande subtilité d’interprétation.

Le récit est non linéaire émotionnellement : il ne s’agit pas d’une montée dramatique classique, mais d’une exploration psychologique à plusieurs niveaux, parfois contradictoires.

Les scènes en plan-séquence (sans coupes) exigent de maintenir une intensité dramatique constante pendant de longues prises — un véritable marathon émotionnel.

Stephen Graham incarne Eddie Miller, un père dévasté par l’arrestation de son fils

Eddie Miller, incarné par Graham, est le père de Jamie, l’adolescent accusé de meurtre. Son personnage est à la fois protecteur et impuissant, aimant et maladroit, souvent en colère mais toujours bouleversé. C’est le portrait d’un homme ordinaire projeté dans une situation extraordinaire, et Graham le joue avec une intensité rare.

Stephen Graham, que l’on a pu voir dans Snatch en petite frappe maladroite, dans This is England en skinhead qui part en vrille, ou en chef de cuisine dépassé dans The Chef, est sans doute l’un de mes acteurs anglophones favoris.Ce rôle dans Adolescence confirme que c’est un immense acteur.

L’ensemble du casting est d’une justesse impressionnante

Que ce soit Ashley Walters qui joue l’inspecteur Luke Bascombe, déterminé à découvrir la vérité, Erin Doherty qui interprète Briony Ariston, la psychologue qui tente de comprendre l’état d’esprit de Jamie ou encore Katherine Kelly, la mère de Jamie, effacée mais bouleversée, qui tente de maintenir l’unité familiale malgré tout (la scène entre les 2 parents du dernier épisode est bouleversante), tous les acteurs sont justes et bouleversants.

Un phénomène dangereux de société : les incels

L’origine du terme

Le mot “incel” a été inventé dans les années 1990 par une femme canadienne dans un contexte de soutien et de discussion sur la solitude amoureuse, sans connotation haineuse à l’époque. Cependant, au fil du temps, le terme a été repris par des communautés en ligne (notamment sur des forums comme Reddit ou 4chan) et a évolué vers un mouvement souvent misogyne et haineux.

Caractéristiques communes chez les incels

Les incels se caractérisent d’abord par une frustration sexuelle et affective prolongée, un ressentiment envers les femmes, accusées de les rejeter au profit d’hommes considérés comme plus attirants (souvent appelés “Chads”), des idéologies fatalistes ou déterministes : ils estiment que l’apparence physique (notamment le visage, la taille) détermine entièrement le succès amoureux.

Les incels utilisent également un vocabulaire codé : par exemple, “Chads” (hommes attirants), “Stacys” (femmes attirantes), “blackpill” (idéologie selon laquelle les incels sont condamnés à l’échec romantique).

Certains individus affiliés à ces milieux ont été liés à des actes de violence, notamment des fusillades motivées par la haine envers les femmes. Les communautés incel peuvent parfois amplifier des discours misogynes, dépressifs ou dangereux pour la santé mentale des membres.

Voir la bande annonce ci-dessous :

Dans l’univers de la publicité, certaines campagnes marquent l’histoire par leur audace, leur pouvoir de choquer, mais aussi par leur capacité à toucher le cœur des questions sociales. Vous vous souvenez sans doute des campagnes de Benetton.

Oliviero Toscani, photographe et directeur artistique italien, est indissociable de l’une des campagnes les plus iconiques et controversées du XXe siècle : les publicités pour la marque Benetton. Ces campagnes ont non seulement redéfini l’image de la marque, mais ont également lancé un débat sur le rôle de la publicité dans la société, en la transformant en un outil de réflexion sociale et politique.

Le début des campagnes en 1984

En 1984 j’ai 5 ans et Oliviero Toscani rejoint Benetton, une époque où la marque italienne, jusque-là connue pour ses pulls colorés et son approche jeune, cherche à se distinguer dans un marché très concurrentiel. Toscani, alors âgé de 42 ans, a l’idée de faire de Benetton bien plus qu’une simple marque de mode : il souhaite en faire un porte-voix de messages sociaux forts, capable de provoquer et de questionner les consommateurs. Il ne s’agit plus seulement de vendre des vêtements, mais de transformer la publicité en un terrain de débat.

L’un des éléments clés de ces campagnes est leur capacité à mélanger l’esthétique de la mode avec des thèmes sociaux graves, souvent traités de manière taboue dans la société. Toscani fait de la publicité un art engagé, utilisant l’image pour toucher des sujets de grande portée : la guerre, le racisme, la pauvreté, l’homophobie, le sida, la condition des femmes, etc. Son approche, à la fois choquante et bouleversante, fait de ces campagnes un véritable miroir de notre époque.

Début des annnées 90, le tournant choc

Les premières campagnes, lancées au début des années 1980, se caractérisent par un choix radical de visuels. Plutôt que de représenter des mannequins idéalisés dans des décors luxueux, Toscani préfère mettre en avant des images brutales et crues qui interpellent. Le choix de l’image, la composition, la simplicité du message sont utilisés comme des outils puissants pour dénoncer les injustices sociales.

L’une des campagnes les plus célèbres et controversées est celle du mariage interracial. Toscani choisit de photographier un couple d’ethnies différentes, une image à la fois belle et provocante, qui défie les préjugés raciaux. À travers ce choix visuel, il suggère que l’amour ne connaît aucune frontière, aucune distinction de couleur de peau.

Cependant, la campagne qui a définitivement marqué les esprits est celle du portrait d’un homme mourant du sida (1992). La photo, montrant un homme en fin de vie, hospitalisé et visible dans toute sa vulnérabilité, est un choc visuel, à une époque où le sida était encore largement tabou. Cette image a provoqué un véritable scandale, certains accusant Toscani de mauvais goût, d’autres louant son audace de traiter la question du sida de manière aussi directe.

Moi en 1992, j’ai 13 ans, je suis un pré-ado inquiet de cette période “SIDA” et suis grandement interpellé par cette affiche. Je ne comprends pas pourquoi utiliser ce genre de photos pour une marque de vêtement. Mais le fait est que le pari est gagné, puisque Benetton devient une des marques les plus en vogue et les plus avant-gardistes du moment.

Une vision sociale et politique

Les campagnes Benetton ne se limitent pas à choquer pour le plaisir. Leur objectif est de faire réfléchir. À travers ses photos, Toscani veut poser des questions sur la société. Pourquoi le sida est-il stigmatisé ? Pourquoi y a-t-il encore tant de racisme dans le monde ? Pourquoi la guerre fait-elle rage à travers le globe ? Pourquoi sommes-nous si indifférents à la souffrance des autres ?

En effet, Toscani voit la publicité comme un moyen de responsabiliser les individus et de leur faire prendre conscience des injustices qui les entourent. C’est dans cette optique qu’il a créé la célèbre image de “l’armoire de l’ONU” (1997), où des mannequins de toutes origines sont photographiés dans des poses identiques. Cette image faisait une allusion claire à l’idée d’unité et de diversité, tout en dénonçant les politiques migratoires de certains pays.

Un autre visuel fort est celui de l’enterrement d’un enfant mort lors du génocide au Rwanda (1994), où la photographie de l’enfant, accompagné de ses parents, a choqué le monde entier. L’objectif de Toscani était d’amener la guerre, souvent perçue comme lointaine, dans l’espace quotidien des consommateurs de la marque.

L’impact sur la marque Benetton

Les campagnes de Toscani ont radicalement transformé l’image de Benetton, propulsant la marque dans une sphère qui allait bien au-delà du prêt-à-porter. En associant les produits de la marque à des causes sociales, Toscani a permis à Benetton de se positionner comme une marque à forte dimension sociale, attirant des consommateurs qui se retrouvaient dans ses messages de tolérance et de diversité. En outre, cette stratégie a permis à Benetton de se démarquer des autres géants de la mode, généralement plus axés sur l’image de luxe et de perfection.

Cependant, cette approche n’a pas été sans controverse. Alors que certains saluaient le courage de Toscani et son utilisation de la publicité comme une forme d’art engagé, d’autres l’ont accusé de “manipuler les émotions” du public et d’exploiter des tragédies humaines à des fins commerciales. La tension entre l’art, la politique et le marketing a souvent été au cœur des débats entourant ces campagnes.

Ci-dessous, quelques visuels des années 90, dont la dernière est lourde sens…